Archivos Mensuales: septiembre 2010

Takashi Miike: Sangre y películas. Ten siempre los ojos abiertos; los límites son para los demás


Miike. Director de cine japonés. Por más cinéfilo que seas no habrás visto ni un tercio de lo que ha hecho. De este modo, el adjetivo más preocupante relacionado con él será: prolífico. Obscenamente prolífico. En cualquier caso, habiendo visto un par de sus películas, es fácil que te enganches. O que le odies. Miike, a un nivel superficial, es sobre todo perversión. Es amputaciones y tirones de carne, es sexo y aspersores de sangre, es planos imposibles, montajes frenéticos y pausados y frenéticos y pausados. Es ver cómo una mujer pare a un hombre adulto con todo detalle, perdido, empapado en líquido amniótico. Miike es yakuzas y tiroteos y hasta animación; efectos especiales más producto de su mente que del dinero, escenas criminales que le ponen a la altura del mejor Coppola o el mejor Scorsese; Miike es Tarantino, es Cronenberg. Es capaz de igualar la enigmística de Lynch para después hacer un musical sobre zombis y salir airoso de su propia volubilidad. Si quieres cabrear realmente a esos colegas tuyos que dicen que les gusta el cine, llevales a ver la última de Miike (sea cual sea). Porque también es de esos tíos que se atreven a desafiarte. Puede ser épico o no salir de la habitación. Puede escribir sobre intimidad y miedos de a pie o sobre bolas de fuego que destruyen el mundo, y que no son meteoritos. Piezas: Un plano secuencia sigue a Ichi por la calle en “Ichi the killer”; lleva un atuendo negro con el número “1” estampado en amarillo en la espalda; la imagen se distorsiona, se oscurece y a veces solo vemos el número, flotando. Los protagonistas de “Dead or alive” se enfrentan en un duelo final en el que uno de ellos salta sobre el parabrisas del coche en marcha del otro, entrando por él, con un fondo de atardecer más propio de Kim Ki Duk. La chica de “Audition” parece inocente y cándida durante casi toda la película, pero espera. En “Gozu”, en una escena de al menos dos minutos en plano fijo, un tipo se fuma un cigarrillo, abre la ventana de un primer piso desde fuera y le estampa una piedra en la cabeza a otro; sólo oímos el ruido del impacto, nadie hace muecas. Esos son solo algunos momentos sueltos.

Si ves a este habitual de los festivales con sus mechas y sus gafas de sol, y si además te enteras de que ya ha hecho cincuenta películas teniendo cincuenta años, lo más fácil es que pases a otra cosa. Pero cuidado, ese tipo de pereza es la que más momentos de gloria nos roba. Este auteur trabaja al margen de los géneros, de un modo visceral, sin miedo a las secuelas si las encuentra necesarias y adaptando lo que haga falta, anime, manga, otras películas… Pasar del amor a las heroínas ciberpunk es algo que por desgracia solo deja con la boca abierta a unos cuantos aficionados a seguir la información cinematográfica. Pero como decía, Miike es tan talentoso como prolífico, lo cual salpica su filmografía con algunas películas más irregulares, ideas brillantes quizá solventadas demasiado pronto. Por otro lado, a su favor hay que decir que también alberga en su carrera algunos de los mejores títulos de los últimos años. La trilogía “Dead or alive” podría ser una buena forma de entrar en su universo. Una historia que comienza como un film de yakuzas ejemplar para ir transformándose poco a poco en algo delirante, escenas de las que no puedes hablar con toda esa gente que no haría tres horas de cola en el festival de Sitges. Así que lo que hace Miike, ante todo, es lo que tan pocas veces se ve ya: CINE. Y quizá esto podrá sonar a piropo fácil y sobado (y en realidad lo es), pero quien ha disfrutado con películas en las que no se entendía nada a bote pronto, en las que la imagen lo era todo, y en las que las sensaciones empezabas a sentirlas desde el estómago, sabe de qué hablo. Si estás esperando sutilezas fáciles, tramas de sexto de EGB, o historias asociadas únicamente a la realidad cuadriculada en la que vives, no veas nada de este loco. Por eso hablo de CINE, porque como ya ha dicho muchas veces Tarantino (por supuesto, fan acérrimo del felado aquí…), una cosa es el cine y otra cosa es la vida real, incluso siendo indisociables. Y en cuanto a esos que se excusan siempre con que no pueden ver nada de terror, o retorcido, o que “lo pasan mal” y solo quieren entretenerse cuando ven una peli… ¿qué hacéis leyendo aún este artículo? ¿No dan nada en la tele?

Para los que necesiten estar al día, decir que el realizador ha presentado en Venecia sus dos últimas obras, “Zebraman 2” y “13 Assassins”. Por otro lado, en el video tenéis un mix de imágenes de películas del susodicho bastante currado por parte de un tal danus74: un minúsculo aperitivo de la imaginería visual de alguien -quizá el único- que se atreve a todo.

OK Go triunfa en YouTube con el videclip de su nuevo single ‘White Knuckles’


El nuevo videoclip del grupo estadounidense OK Go está siendo todo un éxito en la Red.  En tan solo cinco días desde su publicación en YouTube ha recibido más de tres millones de visitas. White Knuckles es el nuevo single de su último trabajo Of the Blue Colour of the Sky y para promocionarlo han creado uno de sus característicos videoclips, famosos por las excéntricas coreografías que en ellos interpretan.

Tras el éxito conseguido con videos como Here it goes again, donde realizaban una curiosa coreografía sobre cintas de correr, han apostado por una nueva coreografía impactante, dispuestos a reinar de nuevo en la Red. Así nos presentan White Knuckles, un videoclip de corte minimalista pero con unos protagonistas increíbles, causa de su gran éxito: perros domesticados que acompañan los movimientos de los componentes del grupo.

El videoclip es un sinfín de pasos simplones pero impactantes en los que jugando con mobiliario al estilo Ikea crean un espectáculo interesante en el que incluyen a varios perros amaestrados. Y es que quizá seamos bastante simples pero ¿Quién se puede resistir a pasar un buen rato con cuatro ‘monerías’ hechas por perros? Seguro que más de uno de los que leen esta entrada ha pasado largas tardes viendo videos graciosos de animales. Y es que nadie se puede resistir a ellos.

Barman & Flayer: los superheroes mas fiesteros que te puedas topar de morros


Barman & flayer: los superheroes mas fiesteros que te puedas topar de morros.

Hoy estrenamos en exclusiva en Paniko Nuclear el 5º capítulo de Barman & Flayer, el cómic que narra las aventuras de dos superhéroes apasionados por la fiesta, en su camino por discotecas, festivales, raves, etc… vivirán las mas disparatadas situaciones.

Haz click para ver el 5º Capítulo.

“In Treatment”, una serie que nos muestra la consulta de un psicólogo para ahondar en nosotros mismos


Ocurre en contadas ocasiones que uno se sienta delante de la pantalla y se siente atrapado por lo que ésta nos está mostrando, lo que aparece en ella, lo que se está contando. Canciones y películas que te arrastran hacia ellas y consiguen que por unos minutos te alejes de tu vida para vivir de otra persona, sus sentimientos, sus temores, sus alegrías…

Es el caso de In treatment o En terapia, la inteligente serie de HBO sobre un psicoanalista, interpretado por Gabriel Byrne, y sus pacientes. Empezó a emitirse en 2008, consta de dos temporadas, y se trata de una adaptación de una serie israelí que tuvo un gran éxito, Be Tipul (2005).

La serie se desarrolla únicamente en la consulta del terapeuta en la que asistimos a las sesiones de sus pacientes, cada uno más diferente al anterior: la joven y atractiva Laura, el tenaz soldado Alex, la asustada adolescente Sophie, entre otros, con los cuales nos sentamos como si de una terapia de grupo se tratase a escuchar sus lamentos y sus confesiones. Los 25 minutos de duración de cada capítulo son la sesión de cada paciente, no vemos nada de lo que pasa fuera de esa consulta, de alguna manera somos como un paciente más que intenta adivinar en qué está pensando Paul, el psicólogo protagonista.

El autor de semejante rareza, ¿cuándo se ha visto algo así en televisión?, es Rodrigo García, hijo de Gabriel García Márquez y no sabemos si a causa de eso poseedor de una gran sensibilidad, que ya hemos visto en películas como Nueve vidas (2005), Cosas que diría con sólo mirarla (2000) y en capítulos de series de culto como A dos metros bajo tierra, Carnivàle y Los Soprano.

En resumen, una agradable sorpresa. Una serie inusual, sobrecogedora e inteligente que nos permite saber qué se vive dentro de una consulta, que nos deja entrar en la intimidad de personas interpretadas por actores que no parecen serlo y que nos hace reflexionar acerca de la culpa y el miedo y quizás incluso nos ayuda, como a un paciente más, a afrontarlos.

Después de su primer álbum, Autolux presenta “Transit Transit”, shoegaze del bueno


Después de su primer álbum “Future Perfect” (2004) que pasó sin pena ni gloria pese a ser bastante bueno han vuelto con “Transit Transit”, otro discazo. Son de California pero no les pega nada y eso está bien, lo que hacen Autolux es algo entre shoegaze, post-rock y electrónica del rollo de My Bloody Valentine y con un punto Sonic Youth en alguna canción, pero siempre con su propio sonido, no estamos ante una copia de otra copia que se estila ahora mucho.

Son tranquilotes pero no te vas a dormir y suenan muy muy bien, mezcla perfecta entre las voces dulces  y  una batería contundente tocada por Carla Azar, la única integrante femenina del grupo que también hace las voces. Para mí ha sido un descubrimiento reciente y no paro de escucharlos, no entiendo porqué  no son más conocidos así que aquí va mi granito de arena …

La exposición del fotógrafo Mario Testino “Todo o Nada” llega al Museo Thyssen-Bornemisza


El fotógrafo peruano Mario Testino expone, por primera vez en España, una colección de 54 obras compuesta por una selección de fotografías en las que se muestra el glamour de las top model y de las celebrities tanto desnudas como vestidas de alta costura. Así celebra sus 30 años como fotógrafo. Muchas de estas obras han aparecido en revistas de moda como Vogue, V Magazine o Vanity Fair.

Mario Testino es unos de los fotógrafos más prestigiosos del mundo de la moda por cuyo objetivo han pasado algunas de las mujeres más deseadas como Kate Moss, Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Kate Winslet, Nicole Kidman, Keira Knightley, Natalia Vodianova, Gwyneth Paltrow, Julia Roberts, o Giselle Bundchen. Además ha sido el creador de campañas publicitarias para grandes marcas como Dolce & Gabbana, Thomas Burberry, Gucci o Versace.

El fotógrafo ha creado su propio icono de mujer “la mujer Testino” caracterizada por una personalidad independiente y fuerte. Entre todas las mujeres que ha fotografiado destaca a dos por encima del resto: a la top model Kate Moss a la que ha dedicado recientemente el libro “Kate Moss by Mario Testino” de la editorial Taschen y del que ya se han agotado las 1.500 copias. Y a la desaparecida Diana de Gales para quien realizó unas fotografías publicadas en Vanity Fair pocos meses antes de morir.

“La belleza en sí no tiene interés para mí; me interesa la personalidad” así resume Mario Testino la visión que tiene de su trabajo y esto es lo que se podrá observar en la exposición “Todo o Nada”.

Enlaces:

http://www.mariotestino.com/

http://www.museothyssen.org/thyssen/exposiciones_proximas



The Sword se caen del caballo con la mayor velocidad de su tercer ataque sónico


Aparte de poseer uno de los nombres mas contundentes del panorama, The Sword es una de esas bandas que, retorciendo el sludge y el heavy mas añejo, han conseguido colocarse a la misma altura que bandas como High On Fire y Mastodon.

Y “Warp Riders” es la confirmación de una banda que poco a poco se está haciendo un hueco en la escena, intentando crear un sonido própio, modificando elementos de anteriores albums, siendo la nota predominante una mayor velocidad en los temas y guitarras algo más cortantes.

Pero los americanos siguen fallando en un aspecto básico: la producción es desangelada y le quita poderío a esos precisos riffs y esa batería galopantes, y es que donde en otras bandas es un acierto, en The Sword hace peligrar el contenido.

Otro aspecto a mejorar es una voz demasiado deudora de los 70 y del stoner de finales de los 70, recordándome demasiado a Lee Dorrian de Cathedral pero sin la personalidad de este. Y si el primer album de la banda, Age of winters, maravilló por los elementos antes mencionados, este Warp Riders clama a gritos una renovación estilística o… un productor competente que les aleje de intentar sonar añejos cuando la banda no está hecha para sonar así. A Baroness le funciona, a Doomriders le funciona, pero no a The Sword.

Y eso que es un album conceptual dentro de una historia completa llamada “The Night The Sky Cried Tears Of Fire” (Me huele a copia de Coheed & Cambria)

Y me sabe mal por los indie doomers que alaban la banda, pero chavales, pasaos a otra banda, que esta os ha fallado.

Gucci Guilty: El spot de la nueva fragancia de la firma italiana huele a Sin City


Gucci nunca ha dudado en tirar de campos como el cine o el arte a la hora de elegir a los directores de sus nuevas campañas publicitarias. El director de cine David Lynch o el videoartista Chris Cunningham son algunos de los directores que ya han trabajado para Gucci.

Para la nueva fragancia, Gucci Guilty, la marca italiana ha elegido a Frank Miller, más conocido por su trabajo en el campo del cómic (300, Sin City, Batman: The Dark Knight returns) aunque también co-dirigió junto a Robert Rodríguez  la adaptación al cine de su novela gráfica Sin City y dirigió The Spirit, su primera película.

El nuevo anuncio de Gucci, estrenado en los MTV Video Music Awards 2010, se inspira directamente en todos los trabajos anteriores de Frank Miller, utiliazando la peculiar estética que ya vimos en Sin City. Así, Miller nos muestra en su Gucci Guilty una nueva ciudad del pecado donde una sexy, poderosa y decida mujer, encarnada por Eva Rachel Wood (True Blood), se entrega a sus guilty pleasures junto a Chris Evans (Los Cuatro Fantásticos).

Sin lugar a dudas Gucci buscaba esta estética para el spot, es efectivo y la realización es muy cuidada, aunque yo no puedo parar de pensar que no es más que una revisión de una de las escenas de Marv y Goldie de Sin City.

La creación de monstruos es posible, Combichrist lo demuestran con “Making Monsters”


Actualmente, ninguna banda de música electrónica puede competir con los Combichrist. Y es que lo que en un principio fue el proyecto paralelo de del cantante de Icon of Coil se ha ido conviertiendo no solo en una realidad, si no en un grupo que traspasa el género industrial para acercarse cada vez más a la electrónica masiva. Prueba de ello es el acercamiento de la banda a gente como Chris Corner de IAMX (Se remezclan mutuamente) o a las Client. Por otro lado, su gira como teloneros de Rammstein o sus colaboraciones con Wes Borland (Limp Bizkit) o Brendan Schieppati (Bleeding Through) también ha vinculado a la banda al rock y al metal.

Y este “Making Monsters”, quinto álbum de una discografía llena de EP´s y remezclas para otros artistas, es un digno sucesor del anterior “Today we all are demons”. Pero Andy LaPlegua es un hiperactivo artista que no para de grabar y girar (En este año 2010 ha reeditado su primer album, varios EP´s, editado un single de su anterior trabajo, aparte del actual disco), y ese imparable ritmo ha mermado un poco la capacidad de sorprender que hizo, por ejemplo, con esa obra magna llamada “What The Fuck Is Wrong With You People”. Las diferencias principales respecto a otras obras las vemos en cierta comercialización, el acercamiento a sonidos algo más suaves, ciertos cambios en la composición (Al igual que ocurrió en el anterior trabajo, LaPlegua cuenta con una banda establecida) y menos desfase y mas sentimiento.

La obra de abre con “Follow the trail of Blood”, un dueto con Brendan Schieppati que quita el sentido, el single “Never Surrender” no es precisamente el gran pelotazo que se preveía. “Trota full of glass” es un medio tiempo que recuerda horrores a Nine Inch Nails, “Fuckmachine” es la canción más industrial del disco, con esos teclados amenazantes. “Forgotten” es un tema lento, pesado e hiperindustrial. “Just like me” es la canción más comercial del disco, perfectamente radiable y en la que nota la influencia de gente como Renholder o IAMX, muy noventera. “Slave to the machine” es un revienta pistas que seguro que triunfará en las pistas de Berlín o Londres este Halloween. “Though the eyes of pain” es una balada industrial que suaviza el conjunto del disco. “MonsterMurderKill” es un tema dance instrumental que a mí me recuerda hasta a Benny Benassi o David Guetta!!!!!!. “They” es, en mi opinión, el hit natural del disco (Tiene pinta de ser futuro single) y que remite a la EBM más melódica. “Reclamation” es otro medio tiempo apocalíptico que cierra el disco de forma digna.

The National: Cuando la elegancia se concentra en la música, sólo las canciones hacen al grupo


Hoy en día hay la tira de músicos, muchos salientes de nuevas corrientes, otros de internet… Y seguro que todos son honestos y respetables a su manera. Pero la sensación al escuchar a muchos de esos nuevos grupos, es que hay una clara intención de pose; son más “guays” que buenos. Con lo cual acaban sacando un par de temas resultones y el resto suele ser paja; y a la larga se te acaban olvidando también los temas resultones, porque puede que en realidad fueran más efectistas que efectivos. ¿Alguien se acuerda de “Jet”, por ejemplo?

Pero la buena noticia es que de todos esos intentos fallidos siempre salen algunas bandas sólidas de verdad. Y lo bueno de ir entrenando el oído es que cuando al fin das con alguien realmente más bueno que “guay”, la sensación de estar escuchando algo de verdad consistente puede ser instantánea.

Obviamente esta valoración está condicionada por mi punto de vista, pero no se me da bien tener también puntos de vista ajenos.

Uno de esos grupos más buenos que “guays”, y ya con mucho material para valorar de una forma objetiva, son “The National”. Estos tipos que van ahora de plató en plató promocionando su nuevo disco (High Violet), consiguen que sus canciones trasciendan su pose (hablo de tipos atractivos que suelen ir de traje, y cuyo vocalista parece un crooner indie que seguramente cualquier Lolita gótica querría tirarse).

Como más que los discos me gusta valorar las bandas y su calidad global, y ya que tengo muy reciente el material de estos tíos, no tengo los prejuicios de haber ido escuchando sus LPs a medida que han ido saliendo. Definitivamente, las sensaciones después de haberme dado un atracón de “The National”, son las de haber escuchado a un grupo que vuela muy alto, bastante más que la mayoría. Tanto que han hecho que grupos muy respetables como “Interpol” o “Editors” (por nombrar algunos en esta línea) me hayan parecido aún verdes en comparación con la solidez de discos como Boxer, o el mencionado High Violet.

Si estoy sufriendo alguna especie de arrebato repentino de fan y en el futuro estos muchachos no me parecen para tanto, el tiempo dirá. Pero de momento la sensación es la de haber descubierto al grupo de verdad” de la última tanda de diez intentos.